L'acteur Burt Lancaster est décédé

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Le 20 octobre 1994, Burt Lancaster, un ancien artiste de cirque qui s'est fait connaître en tant qu'homme de premier plan d'Hollywood avec quelque 70 films à son actif, dont D'ici jusqu'à l'éternité et Atlantic City, au cours d'une carrière qui a duré plus de quatre décennies, meurt d'une crise cardiaque à l'âge de 80 ans à Century City, en Californie.

Lancaster est né le 2 novembre 1913 à New York et a grandi à East Harlem. Après un passage à l'Université de New York, qu'il a fréquenté grâce à une bourse d'athlétisme, il a démissionné pour rejoindre le cirque, où il a travaillé comme acrobate. Une blessure a forcé Lancaster à abandonner le cirque en 1939, et il a occupé une série d'emplois jusqu'à ce qu'il soit enrôlé dans l'armée en 1942. Trois ans plus tard, alors qu'il était en congé, la carrière d'acteur de Lancaster a été lancée après qu'il soit allé rendre visite à la femme qui deviendra sa deuxième épouse au bureau de théâtre où elle était employée et l'assistant d'un producteur lui a demandé d'auditionner pour une pièce de Broadway. Il a obtenu le rôle, en tant que sergent de l'armée, et s'est rapidement fait remarquer par Hollywood. En 1946, Lancaster fait ses débuts au cinéma aux côtés d'Ava Gardner dans Les tueurs, basé sur une nouvelle d'Ernest Hemingway. Lancaster incarne le Suédois, un ancien boxeur mêlé à la foule et attendant d'être assassiné par des tueurs à gages.

Il a ensuite joué dans le biopic de 1951 Jim Thorpe : All-American, sur l'olympien amérindien et les années 1952 Le pirate cramoisi, dans lequel il a mis ses compétences acrobatiques à profit en tant que personnage principal de cape et d'épée. En 1953, il partage la vedette avec Deborah Kerr et Frank Sinatra dans D'ici jusqu'à l'éternité, un film de la Seconde Guerre mondiale qui se déroule à Hawaï juste avant l'attaque de Pearl Harbor. Le film, qui contenait la scène désormais emblématique dans laquelle Lancaster et Kerr sont enfermés dans une étreinte au bord de la plage alors que les vagues roulent sur eux, a valu à Lancaster sa première nomination aux Oscars du meilleur acteur. Parmi les autres crédits de film de Lancaster au cours des années 1950 figuraient Apache (1954), dans lequel il incarne un guerrier amérindien ; Douce odeur de succès (1957), dans lequel il incarne un chroniqueur de potins impitoyable ; et Fusillade à l'O.K. Corral (1957), dans lequel il incarne Wyatt Earp dans Doc Holliday de Kirk Douglas.

Au cours des années 1960 et 1970, Lancaster est apparu dans des films tels que les années 1960 Elmer Portique, ce qui lui a valu un Oscar du meilleur acteur pour sa performance d'escroc devenu prédicateur ; 1961 Jugement à Nuremberg, sur les procès pour crimes de guerre nazis de la Seconde Guerre mondiale; 1962 Homme-oiseau d'Alcatraz, qui était basé sur l'histoire vraie d'un meurtrier condamné qui devient un expert en oiseaux alors qu'il est derrière les barreaux et a valu à Lancaster une autre nomination à l'Oscar du meilleur acteur ; Drame historique de 1963 du réalisateur italien Luchino Visconti Le Léopard, dans lequel Lancaster joue un aristocrate vieillissant ; 1968 le nageur, basé sur une histoire de John Cheever; le film catastrophe de 1970 Aéroport; et 1979 Aube zoulou, avec Peter O'Toole et Bob Hoskins.

En 1980, Lancaster a joué dans le film du réalisateur Louis Malle Atlantic City et sa performance en tant que gangster vieillissant lui a valu sa quatrième nomination aux Oscars du meilleur acteur. Il a également figuré dans Héros local (1983), dans lequel il incarne un propriétaire excentrique de compagnie pétrolière ; et 1989 Champ de rêves, avec Kevin Costner. Lancaster a formé une société de production avec son agent, Harold Hecht, dans les années 1950, devenant ainsi l'un des premiers acteurs d'Hollywood à le faire. Parmi ses crédits de production figuraient les années 1955 Marty, qui a remporté les Oscars du meilleur film, du meilleur réalisateur, du meilleur scénario et du meilleur acteur (Ernest Borgnine).


Ce que nous avons appris sur Burt Reynolds seulement après sa mort

Burt Reynolds - l'acteur emblématique qui nous a éblouis avec son sourire charmant, sa moustache touffue et sa poitrine encore plus poilue - est décédé le 6 septembre 2018 à l'âge de 82 ans. Bien qu'il ait eu des problèmes de santé, sa nièce, Nancy Lee Hess , Raconté Nous hebdomadaire que sa mort était "totalement inattendue". TMZ a confirmé plus tard que la star légendaire était décédée dans un hôpital de Floride après avoir subi une crise cardiaque. Se souvenir de la vie de l'acteur primé signifie célébrer ses décennies de contributions à l'industrie du divertissement, y compris ses rôles mémorables dans Smokey et le bandit, Soirées Boogie, et La plus longue cour.

Reynolds a travaillé aux côtés d'innombrables starlettes et a brisé plus d'un cœur en cours de route, y compris lorsque son mariage avec WKRP à Cincinnati la star Loni Anderson a pris fin lorsqu'il est tombé amoureux d'une serveuse nommée Pam Seals, par ABC Nouvelles. Ce sont ses relations ratées (et coûteuses) qui ont fait la une des journaux à son apogée, et après son décès, encore plus d'informations ont été révélées sur la vie personnelle de l'acteur – du thé qui s'est avéré tout aussi fascinant que certaines de ses performances à l'écran.

Voici ce que nous avons appris sur Burt Reynolds seulement après sa mort.


Âge, taille et mensurations

Burt Lancaster est décédé le 20 octobre 1994 (à l'âge de 80 ans). Il est né sous l'horoscope Scorpion car la date de naissance de Burt est le 2 novembre. Burt Lancaster mesure 7 pieds 0 pouces (environ) et pèse 113 lb (51,2 kg) (environ). À l'heure actuelle, nous ne connaissons pas les mensurations corporelles. Nous mettrons à jour dans cet article.

Hauteur5 pieds 1 pouces (environ)
Poids144 lb (65,3 kg) (environ)
Mesures du corps
Couleur des yeuxMarron foncé
Couleur de cheveuxLe noir
La taille de la robeXL
Pointure6,5 (États-Unis), 5,5 (Royaume-Uni), 39,5 (UE), 25 (CM)

Kirk Douglas, l'une des dernières stars survivantes de l'âge d'or d'Hollywood, décède à 103 ans

L'acteur emblématique a peut-être laissé sa marque la plus indélébile au cinéma en défendant ceux qui étaient sur la liste noire de l'ère McCarthy avec "Spartacus" en 1960.

Olivier Jones

AFP/Getty

Kirk Douglas aimait un bon combat. "Il se bat avec sa femme, il se bat avec la femme de chambre, il se bat avec le cuisinier", a déclaré un jour Burt Lancaster, son défunt co-star, ami et partenaire de course. "Dieu sait, il s'est battu avec moi."

Il n'est donc pas surprenant que Douglas, décédé mercredi, près de deux décennies après avoir subi un accident vasculaire cérébral en 1996 qui l'a rendu incapable de parler, se soit battu jusqu'au bout. L'acteur, l'un des rares dont la personnalité démesurée était aussi importante dans la vraie vie que sur grand écran et l'un des tout derniers fils nous reliant à l'usine à rêves de l'âge d'or d'Hollywood, avait 103 ans.

"C'est avec une immense tristesse que mes frères et moi vous annonçons que Kirk Douglas nous a quittés aujourd'hui à l'âge de 103 ans", a déclaré Michael Douglas dans un communiqué. "Pour le monde, il était une légende, un acteur de l'âge d'or du cinéma qui a bien vécu dans ses années d'or, un humanitaire dont l'engagement envers la justice et les causes auxquelles il croyait établissent une norme à laquelle nous pouvons tous aspirer."

"Mais pour moi et mes frères Joel et Peter, il était simplement papa, pour Catherine, un merveilleux beau-père, pour ses petits-enfants et arrière-petits-enfants leur grand-père aimant, et pour sa femme Anne, un mari merveilleux", a écrit Michael Douglas. .

« Permettez-moi de terminer par les paroles que je lui ai dites lors de son dernier anniversaire et qui resteront toujours vraies. Papa, je t'aime tellement et je suis tellement fier d'être ton fils.

Bien que souffrir d'un accident vasculaire cérébral et lutter courageusement et publiquement contre celui-ci ait pu considérablement adoucir l'image de Douglas (« À vrai dire, [il] est une personne beaucoup plus gentille », c'est ainsi que son célèbre fils Michael l'a dit), Douglas a maintenu la réputation d'être l'un des des personnages plus controversés de l'histoire d'Hollywood. Peu importe l'adversaire, il était un combattant presque constant, se battant pour ce qu'il pensait être juste, le meilleur ou vraiment le plus représentatif de son véritable moi.

"Je suis attiré et fasciné par la difficulté d'être un individu", a-t-il déclaré à Roger Ebert en 1969. "Le fait d'être une soi-disant star de cinéma joue contre vous. Bien sûr, vous pouvez toujours faire des images passionnantes, des images d'aventure, mais lorsque vous essayez quelque chose de différent, elles vous tombent dessus parce que vous êtes une star. Et pourtant, ce thème de l'individu, en lutte contre la société, ça m'a toujours obsédé.

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"L'acteur américain Michael Douglas (L) embrasse son père L'acteur américain Kirk Douglas (C) à côté de l'acteur Burt Lancaster (R) lors de la 57e cérémonie des Oscars, le 25 mars 1985, à Hollywood, Californie. AFP PHOTO ROB BOREN (Le crédit photo doit se lire ROB BOREN/AFP/Getty Images)"

ROB BOREN

Comme Michael, l'aîné des quatre fils de Douglas, l'a dit Salon de la vanité en 2010, « C'était un survivaliste très intense et talentueux. Il était rongé par le fait de griffer et de faire quelque chose de lui-même… »

Beaucoup, notamment Douglas lui-même, ont fait remonter cette intensité à son enfance. L'acteur a utilisé son histoire de vie à la Horatio Alger comme base de plusieurs de ses 11 livres, y compris son autobiographie à succès de 1988, Le fils du chiffonnier.

Né Issur Danielovich à Amsterdam, New York, Douglas est passé par Izzy Dempsky avant d'inventer son nom lorsqu'il a déménagé à New York. (Douglas était pour Douglas Fairbanks et Kirk était juste parce que « ça sonnait chic. ») Ses parents étaient des Juifs russes illettrés qui avaient échappé aux communistes à Ellis Island Douglas et ses six sœurs ont grandi en parlant yiddish. Il est sûr de dire que peu d'acteurs ont grandi plus appauvris.

"Les gens deviennent souvent des acteurs parce que c'est une forme d'évasion du monde réel", a déclaré Douglas. «Et j'avais de quoi m'échapper, croyez-moi. C'était une lutte infernale et il y avait des moments où nous ne savions pas quand le prochain repas viendrait. Il a trouvé sa vocation à l'âge de 5 ans lorsqu'il a lu un poème devant les parents de sa classe de première année et a été ravi par les applaudissements. "Un acteur est né", a-t-il déclaré.

Après le lycée, Douglas a réussi à se frayer un chemin à l'Université St. Lawrence, où il a joué, était une star de l'équipe de lutte et a travaillé comme concierge. Après l'université, il a obtenu une bourse d'études de l'American Academy of Dramatic Arts à New York. Là, il est sorti avec Betty Pepske et sa future première épouse Diana Dill. Betty finira par changer son nom en Lauren Bacall et recommandera son ancienne flamme à Hal Wallis de Paramount pour un test d'écran.

Douglas a frappé Hollywood comme une chauve-souris en enfer. Quand quelqu'un au studio a voulu qu'il répare sa fossette de menton caractéristique, il est devenu balistique: "Si vous n'aimez pas le trou dans mon menton, je retourne à Broadway!" Dans une lutte pour le contrôle qui marquera toute sa carrière, il a rompu son contrat de cinq photos avec Paramount après ses débuts en 1946 aux côtés de Barbara Stanwyck dans L'étrange amour de Martha Ivers.

En 1947, il a débuté son partenariat de longue date avec Burt Lancaster avec Je marche seul. C'était l'association parfaite - la chroniqueuse de potins de Matt et Ben, Sheilah Graham, les a surnommés "The Terrible-Tempered Twins". Lancaster a déclaré des années plus tard: «Nous étions tous les deux jeunes, arrogants et arrogants. Nous savions tout. Personne ne nous aimait. (Ils n'aimaient pas plus Douglas : Photoplay l'a nommé l'homme le plus détesté d'Hollywood plusieurs années de suite.)

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"US L'acteur Kirk Douglas (à gauche) et Martin Sheen (à droite) sont photographiés lors du 32e Festival international du film de Cannes, le 14 mai 1979. AFP PHOTO RALPH GATTI / AFP / RALPH GATTI (Crédit photo doit se lire RALPH GATTI/AFP/Getty Images )"

RALPH GATTI

Au moment où il a obtenu sa première nomination aux Oscars – à juste titre, c'était pour avoir joué un boxeur dans Champion de 1949 – le père de deux enfants était divorcé de Diana et avait développé une réputation épique en tant que femme. Il est sorti, entre autres, avec Rhonda Fleming, Evelyn Keyes, Ava Gardner, Gene Tierney, Rita Heyworth, Joan Crawford, Marlena Dietrich et Pier Angeli, avec qui il a été brièvement fiancé.

C'était un décompte suffisamment impressionnant pour que la réputation le poursuive toute sa vie malgré le fait qu'il a épousé Anne Buydens à Vegas en 1957 et qu'ils sont restés dévoués l'un à l'autre jusqu'à sa mort. "Oui, pour un gars que vous appelez un coureur de jupons, je suis marié depuis 57 ans", a-t-il déclaré en 2011. "Et j'écris toujours sa poésie d'amour. Je lui ai écrit plusieurs poèmes. Dans l'un, j'ai dit : "La romance commence à 80 ans".

Avec Stanley Kubrick Spartacus en 1960, Douglas laissera peut-être sa marque la plus indélébile au cinéma à la fois en tant qu'acteur et en tant que producteur qui a insisté pour que le scénariste sur liste noire Dalton Trumbo soit correctement crédité pour son scénario.

"Ce fut une période terrible dans l'histoire d'Hollywood", a-t-il déclaré à Interview. "Cela n'aurait jamais dû se produire. Nous aurions dû le combattre. Mais c'est fini et moi, dans ma vieillesse, je me console du fait que je me souviens. (Certains prétendent que Douglas, qui a publié Je suis Spartacus ! : Faire un film, briser la liste noire en 2012 a peut-être exagéré son rôle dans la rupture de la liste noire.)


Extrait des archives : Burt Lancaster, lauréat d'un Oscar, décède à 80 ans

Burt Lancaster, l'interprète, producteur, gymnaste et iconoclaste, qui depuis ses débuts a toujours été une star, est décédé, a annoncé sa femme vendredi.

Le lauréat d'un Oscar et ancien athlète de haut niveau, âgé de 80 ans, était en mauvaise santé depuis qu'il avait subi un accident vasculaire cérébral il y a près de quatre ans. Il est décédé dans la nuit de jeudi d'une crise cardiaque dans leur condominium de Century City, a déclaré Susan Lancaster, ajoutant qu'il n'y aurait pas de funérailles et que l'enterrement serait privé.

Lancaster était dans un isolement relatif depuis son hospitalisation à Los Alamitos en novembre 1990. Il a subi un accident vasculaire cérébral alors qu'il rendait visite à un ami dans le comté d'Orange et avait récemment refusé des visites, même de vieux amis comme Kirk Douglas.

L'accident vasculaire cérébral s'est avéré le dernier d'une série de maladies physiques qui ont frappé la star virile et polyvalente de plus de 70 films.

En 1983, il a subi plusieurs pontages aorto-coronariens et il a continué à souffrir d'une maladie cardiaque.

Même s'il a tourné "Little Treasure" six mois après l'opération et a continué à travailler régulièrement dans le cinéma et la télévision, Lancaster s'est vu refuser le rôle titre dans "Old Gringo" en 1988 en raison de sa santé. Columbia Pictures a décidé que l'assurance sur lui serait trop chère et a choisi Gregory Peck à la place.

Mais Lancaster a rebondi après ce revers pour donner une performance annoncée dans "Field of Dreams" en 1989, décrivant Moonlight Graham, un ancien joueur de baseball qui a eu un bref contact avec la gloire sportive avant de devenir médecin.

Avec ce rôle, comme avec des dizaines d'autres tout au long de sa longue carrière d'acteur, c'était comme si Lancaster était né pour son travail choisi.

Certains acteurs ont du mal à s'élever à travers des rôles mineurs jusqu'à devenir des stars, d'autres citent une préparation académique, commençant par des cours d'art dramatique collégiaux et progressant à travers Actors Studio et le stock d'été jusqu'à la reconnaissance professionnelle.

Lancaster n'a suivi aucun cours et n'a joué aucun rôle principal, mais était une véritable star depuis sa première apparition à l'écran en 1946 jusqu'à quelques années avant sa mort.

Parfois, ses réalisations professionnelles semblaient presque trop nombreuses pour être réelles, encore moins rappelées.

L'Oscar qu'il a remporté pour "Elmer Gantry" en 1960 et le prix de la Mostra de Venise qu'il a reçu deux ans plus tard pour "The Birdman of Alcatraz" sont restés dans les mémoires. Mais beaucoup ont oublié l'Oscar précédent qu'il avait partagé avec Harold Hecht en tant que coproducteur de "Marty", qui a été élu meilleur film de 1955.

Le travail de Lancaster dans des productions dramatiques aussi importantes que "Reviens, Little Sheba", "D'ici à l'éternité", "Le jugement de Nuremberg", "The Rainmaker", "Seven Days in May" et "Atlantic City" a eu tendance à éclipser son travail dans des films tels que "Trapeze", "The Flame and the Arrow" et "The Crimson Pirate", qui ont montré le côté plus léger de sa nature.

Notifié de la mort de Lancaster, Kirk Douglas a déclaré que leur relation de 50 ans avait été précieuse. Douglas a déclaré qu'après avoir survécu à un accident d'hélicoptère il y a quelques années, il a réalisé "à quel point la vie et les amis étaient vraiment importants".

"Burt n'était pas qu'un acteur", a ajouté Douglas. « C'était un intellectuel curieux avec un amour indéfectible de l'opéra qui était constamment à la recherche de personnages uniques à incarner. . . . Elmer Portique. . . l'homme-oiseau d'Alcatraz.

Rappelant les films que lui et Lancaster avaient réalisés ensemble et les dizaines d'autres images qui mettaient en vedette l'ancien marcheur et vendeur au franc-parler, Douglas a déclaré :

« Vous savez, Burt n'est pas vraiment mort. . . . Dans des années, les gens nous verront encore se tirer dessus. . . le regarde toujours dans ses nombreux autres grands films. Au moins, il est en paix maintenant.

Burton Stephen Lancaster est né le 2 novembre 1913, dans le quartier East Harlem de New York, a fréquenté l'école publique 83 et le lycée DeWitt Clinton, et a souvent dit qu'il aurait pu «être devenu un policier ou un criminel (son frère est devenu policier, plusieurs de ses camarades de jeu d'enfance finiraient à Sing Sing) s'il n'y avait pas eu l'athlétisme et la bibliothèque publique.

Il mesurait 6 pieds 2 pouces à l'âge de 14 ans, avec un physique rauque et des réflexes rapides qui lui ont valu une bourse d'athlétisme à l'Université de New York. Un esprit alerte et persévérant lui a donné un penchant pour les livres toute sa vie. Mais l'éducation formelle a commencé à l'ennuyer au milieu de sa deuxième année et il a quitté l'université pour rejoindre le cirque.

Il a fait équipe avec son ami d'enfance et partenaire de gymnastique Nick Cravat - qui l'a ensuite rejoint pour des cascades à la caméra dans "The Crimson Pirate" et "The Flame and the Arrow" - et a formé l'équipe acrobatique de Lang et Cravat, obtenant un emploi avec le spectacle Kay Bros. à un salaire de 3 $ par semaine et trois repas par jour.

« Je savais », a-t-il déclaré plus tard, « que j'avais trouvé le genre de chose que je voulais faire pour le reste de ma vie – la seule question était de savoir quelle partie de l'entreprise serait la meilleure. »

De 1932 à 1937, l'équipe de Lang et Cravat a travaillé sans relâche : l'engagement de Kay Bros. a cédé la place à un engagement similaire (mais mieux payé) avec Gorman Bros. Circus. Cela a été suivi d'un passage au spectacle itinérant Barnett Bros., et enfin à une tournée avec Ringling Bros. et Barnum & Bailey, alors, comme aujourd'hui, le sommet du monde du cirque en Amérique du Nord.

"Mais cela ne me semblait pas tout à fait correct", a-t-il déclaré. « J'ai senti qu'il manquait quelque chose. Bon sang, je voulais parler. . . . "

Il a donc quitté l'acte pendant un certain temps pour apparaître avec le projet de théâtre Works Progress Administration de l'ère de la dépression.

"Mais cela n'a pas vraiment fonctionné pour moi", a-t-il déclaré aux intervieweurs au fil des ans. « J'avais pris l'habitude de manger trois repas par jour, et c'était difficile à faire avec ce que le Projet Théâtre pouvait se permettre. Alors de retour, je suis allé à Lang et Cravat.

Quelques semaines après son retour au cirque, un de ses doigts s'est infecté et un médecin lui a donné le choix : renoncer à l'acrobatie professionnelle, ou amputer le visage.

"J'ai décidé de garder le doigt", a-t-il déclaré, "et je suis parti à la recherche d'un autre type d'emploi, en dehors du cirque, même en dehors du domaine du divertissement."

Au cours des trois années suivantes, il fut tour à tour marcheur au rayon lingerie du magasin Marshall Field de Chicago, vendeur au rayon mercerie du même magasin, pompier, chauffeur de camion et ingénieur pour une usine de conditionnement de viande.

De retour à New York, il a trouvé un emploi au Columbia Concerts Bureau (une filiale du réseau CBS fournissant de la musique aux petites villes du pays). Mais avant d'avoir pu assumer ses nouvelles fonctions d'agent de réservation, il a reçu son projet d'avis.

"J'ai passé un moment merveilleux", a-t-il déclaré, "à faire une tournée en Afrique du Nord, en Italie et en Autriche en tant que tourneur de pages pour un pianiste soldat!"

Les années de la Seconde Guerre mondiale ont cependant conduit à un contact important.

C'était avec une artiste de l'USO nommée Norma Anderson. Ils sont restés en contact pendant le reste de la guerre, et dès la fin de la guerre, il a utilisé son congé de 45 jours et son bon de voyage pour la retrouver à New York, où elle travaillait pour un producteur de radio.

Il était dans l'ascenseur, sur le chemin de son bureau, lorsqu'il s'est rendu compte qu'un autre passager le fixait.

"Quand je suis descendu à l'étage de Norma", a-t-il dit, "le gars a suivi, et je dois admettre qu'il commençait vraiment à m'inquiéter quand il a sorti une carte de visite."

L'homme s'est identifié comme un associé du metteur en scène Irving Jacobs et il a invité Lancaster à lire pour le rôle d'un sergent coriace dans une nouvelle pièce intitulée "A Sound of Hunting".

Lancaster a obtenu le rôle et bien que la pièce n'ait survécu que cinq semaines, les critiques ont été unanimes dans leurs éloges. Ils ont amené des éclaireurs sur la pièce et sept offres de contrat d'écran ont résulté.

Mais il n'en accepta aucun. Au lieu de cela, il a signé avec Hecht, qui est venu dans les coulisses pour faire une offre que personne d'autre n'avait, en disant à Lancaster : "Dans cinq ans, nous ferons nos propres photos."

Ils se sont serré la main là-dessus et ont créé une association commerciale qui a produit une offre presque ininterrompue de films, de millions et d'Oscars pour le prochain quart de siècle.

Le premier geste de Hecht a été de signer un contrat avec Lancaster avec Hal Wallis appelant à deux films par an. L'acteur naissant est monté à bord d'un train pour Hollywood, prêt à commencer à travailler immédiatement sur un film intitulé "Desert Fury". Mais à son arrivée, il a découvert que le script n'était pas prêt.

Le producteur Mark Hellinger, cependant, avait vu un test d'écran de Lancaster et le voulait pour le rôle de héros condamné du Suédois dans "The Killers", basé sur la nouvelle d'Ernest Hemingway.


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Burt Lancaster, une star d'Hollywood, décède à 80 ans après une crise cardiaque en 1994

Burt Lancaster, le fils d'un employé des postes d'East Harlem dont le cerveau et les muscles ont fait de lui une star hollywoodienne d'un attrait extraordinaire, a été pleuré hier comme "un géant" après sa mort à l'âge de 80 ans.

Lancaster, qui a subi un accident vasculaire cérébral il y a quatre ans qui l'a rendu incapable de parler ou de reconnaître ses amis, est décédé jeudi d'une crise cardiaque à son domicile de Los Angeles, a déclaré sa femme, Susan Scherer.

"Il me tapotait les cheveux et touchait mon visage, et il a poussé un soupir et c'était tout", a déclaré Scherer.

"Il est parti très, très paisiblement. Nous étions ensemble, Dieu merci", a-t-elle ajouté. "Cette dernière semaine, il a été meilleur que jamais. C'était une surprise totale."

Lancaster, diplômé de l'école secondaire DeWitt Clinton dans le Bronx, a amené le stéréotype vétuste du dur à cuire du film dans un nouveau plan, enrichissant son machisme à l'écran de sensibilité et de prévenance. Sa carrière s'est étendue sur plus de quatre décennies et 70 films, de l'homme maussade à l'acteur principal. Même au crépuscule de sa carrière, sa stature n'a été confirmée que par le poignant de ses performances.

Il a remporté un Oscar pour le film "Elmer Gantry" de 1960. Parmi les autres films mémorables, citons "The Birdman of Alcatraz", "D'ici à l'éternité", "Sweet Smell of Success", "Atlantic City", "Judgement at Nuremberg", "The Rose Tattoo" et "Local Hero".

"Il y a beaucoup de bons acteurs, mais il y a très peu d'acteurs uniques. Comme Cagney et Bogart, Burt était unique en son genre", a déclaré sa co-vedette d'"Elmer Gantry" Shirley Jones.

"C'est maintenant le décès d'un géant", a déclaré hier son ami et co-vedette Kirk Douglas. "Mais Burt ne mourra jamais. Nous pourrons toujours le voir se balancer d'une vergue dans" The Crimson Pirate "… et tirer avec moi dans" Gunfight at the O.K. Corral.'"

"Je pense que l'industrie a perdu une personne merveilleuse, une personne qui a toujours été enthousiasmée par les films qu'il a réalisés. Quel que soit le matériel, il lui a toujours donné ce que j'appellerais un vrai 100%", a déclaré la co-vedette de "Birdman". Karl Malden.

Après des passages en tant qu'acrobate de cirque et artiste de l'armée, la carrière cinématographique de Lancaster a été marquée par des rôles physiques et intenses, mais il a également bien joué dans des rôles sensibles.

Mais même en tant que star, il n'a jamais oublié d'où il venait, donnant de l'argent à des œuvres caritatives d'East Harlem. Il était également un fervent partisan des causes libérales et a déjà été président de l'American Civil Liberties Union.

Né Burton Stephen Lancaster le 2 novembre 1913, à Third Ave. et 106th St., l'acteur était le fils d'un commis des postes d'East Harlem. Après le lycée, il a fréquenté l'Université de New York grâce à une bourse de basket-ball.

Mais Lancaster a abandonné NYU au cours de sa deuxième année pour former une équipe acrobatique avec son ami d'enfance Nick Cravat. Le duo a ensuite passé plusieurs années en tournée avec des cirques, du vaudeville et des boîtes de nuit.

Enrôlé pendant la Seconde Guerre mondiale, Lancaster a passé la majeure partie de sa période de service à divertir les troupes. En 1945, il a commencé sa carrière d'acteur en apparaissant dans une production de Broadway qui s'est terminée après deux représentations.


Burton Stephen "Burt" Lancaster était un acteur de cinéma, réalisateur et producteur né le 2 novembre 1913 à Manhattan, New York City USA, et a été quatre fois nominé aux Oscars, gagnant pour sa performance dans "Elmer Gantry" (1960). Pour son travail dans "The Birdman of Alcatraz" (1962) et "Atlantic City" (1980), il a reçu un Golden Globe et un BAFTA Award, et son autre travail notable comprend des films tels que "Marty" (1955), "Trapeze » (1956), « Sweet Smell of Success » (1957), « Separate Tables » (1958) parmi tant d'autres. Il est décédé en octobre 1994.

Vous êtes-vous déjà demandé à quel point Burt Lancaster était riche ? Selon des sources, il a été estimé que la valeur nette globale de Burt Lancaster était de 40 millions de dollars, accumulés au cours d'une carrière d'acteur de près d'un demi-siècle. Puisqu'il avait également réalisé des projets de réalisation et de production, ils ont également ajouté à sa valeur nette.

Burt Lancaster, valeur nette de 40 millions de dollars

Né l'un des cinq enfants de la famille, Burt s'est avéré un talent athlétique notable en tant que jeune garçon. Il avait 19 ans lorsqu'il a rejoint le cirque pour se produire dans des numéros acrobatiques avec son ami de toujours Nick Cravat, qui a ensuite joué dans plusieurs de ses films. Pendant la Seconde Guerre mondiale, Lancaster a servi dans l'armée et à la suite de ses performances dans des spectacles de l'USO, il a développé un intérêt pour le jeu d'acteur. À la fin de la guerre, il décroche son premier emploi d'acteur professionnel dans la pièce de Broadway "A Sound of Hunting" (1945), et sa performance est remarquée par un découvreur de talents qui l'emmène à Hollywood.

Le premier film de Burt est venu deux ans plus tard avec "Desert Fury", et a d'abord attiré l'attention du public dans le classique noir "The Killers" (1946). Lancaster a évité le casting hollywoodien et a rapidement pris le contrôle de sa carrière en cofondant la société de production Hecht-Hill-Lancaster en 1948 et en établissant sa réputation d'acteur polyvalent. Tout au long de sa carrière, il est apparu dans de nombreux films de qualité, maintenant son pic de popularité à la fin des années 40, 50 et 60 grâce à des rôles dans des films tels que "I Walk Alone", "All My Sons", "Sorry, Wrong Number », « Criss Cross », « The Crimson Pirate », « Come Back, Little Sheba » et bien d’autres. Il a obtenu sa première nomination aux Oscars pour son rôle dans "From Here to Eternity" (1953), ce qui a contribué à l'augmentation de sa valeur nette.

Sa série de rôles s'est poursuivie au cours des années suivantes, comme il est apparu dans les tubes "Apache", "Trapeze" et "Run Silent, Run Deep". Pour sa performance charismatique dans « Elmer Gantry » (1960), Burt a remporté un Oscar et un an plus tard, après avoir interprété un criminel de guerre nazi dans « Judgment at Nuremburg » (1961), il a été nominé pour un autre Oscar. Ses autres films notables au cours des années 60 comprenaient "Seven Days in May", "The Train", "The Professionals" et "The Swimmer". Bien que son premier film dans les années 70 ait été un désastre, Lancaster a également joué dans quelques films notables au cours de cette décennie, y compris son rôle dans "1900" de Bertolucci. Au cours des années suivantes, d'autres rôles de personnages sont apparus, comme avec Kirk Douglas dans "Tough Guys" (1986) et son interprétation émouvante du docteur Graham dans "Field of Dreams" (1989).

Il a donné sa dernière performance dans la mini-série télévisée "Separate but Equal" (1991), après quoi il a pris sa retraite en raison de problèmes de santé, ayant joué dans près de 80 films sur grand écran et plus d'une douzaine à la télévision. Il est classé par l'American Film Institute comme le n°19 des plus grandes stars masculines du cinéma hollywoodien classique.

En ce qui concerne sa vie privée, Lancaster s'est marié trois fois. Ses deux premiers mariages se sont terminés par un divorce, à June Ernst (1935-46) et Norma Anderson (1946-69) il a épousé sa troisième femme, Susan Martin en 1990 et est resté avec elle jusqu'à sa mort le 20 octobre 1994 à Century City, Los Angeles, Californie, États-Unis. Il était père de cinq enfants, tous avec Norma.


Vie et biographie de Burt Lancaster

Date de naissance : 1913-11-02
Date de décès : 1994-10-20
Lieu de naissance : New York City, New York, États-Unis
Nationalité : Américaine
Catégorie : Personnages Célèbres
Dernière modification : 2011-01-22
Crédité comme : Acteur de cinéma, Elmer Gantry, The Birdman of Alcatraz (1962)

Burt Lancaster , l'une des stars de cinéma les plus populaires de tous les temps, n'a jamais voulu être acteur. Tombant dans le théâtre par hasard, Lancaster est devenu une star, bien qu'il n'ait eu aucune formation dramatique. Il a réalisé 85 films au cours de sa longue carrière et a remporté un Oscar.

Burton Stephen Lancaster, le quatrième de cinq enfants, est né le 2 novembre 1913 à New York de James Lancaster, un postier, et d'Elizabeth Roberts Lancaster. Bien que la famille descende d'origine irlandaise et anglaise, ils résidaient dans l'East Harlem italien. Lorsque Lancaster et ses frères étaient assez vieux, ils ont pelleté de la neige, vendu des journaux et ciré des chaussures pour gagner de l'argent pour la famille. Alors que James Lancaster était un père doux et chaleureux, Elizabeth était une discipline stricte, inculquant à ses enfants les vertus de l'honnêteté et de la loyauté, avec des coups de fouet si nécessaire. Elle n'avait aucun préjugé contre les nombreux groupes ethniques différents de son quartier et les traitait tous avec gentillesse, ce qui fit une forte impression sur son fils.

Lancaster a fréquenté l'école publique 121 pour les classes élémentaires inférieures. Là, il réussit bien, surtout en lecture et en écriture. Il a ensuite été transféré à l'école publique 83, où il aimait l'anglais et l'histoire, mais avait de mauvais résultats en mathématiques. Lancaster aimait lire et prétendait avoir lu tous les livres de la bibliothèque de la 110e rue à l'âge de 14 ans. Il adorait également les films, en particulier ceux du cape et d'épée Douglas Fairbanks, mais il ne voulait pas devenir acteur. Jusqu'à l'âge de 15 ans, Lancaster voulait être chanteur d'opéra. Tout au long de sa vie, il a conservé un amour de l'opéra et de la musique symphonique.

À l'âge de 13 ans, Lancaster a perdu la graisse de son bébé et est devenu un jeune homme grand et athlétique. Il a couru dans les rues et les parcs avec les enfants du quartier, et à l'Union Settlement House, il est apparu dans une pièce de théâtre. Un réalisateur célèbre, Richard Boleslavsky, l'a vu dans la série et a été tellement impressionné qu'il a discuté de la possibilité d'une école d'art dramatique avec Elizabeth Lancaster. Son fils, cependant, n'était pas disposé, qualifiant le jeu d'acteur de "truc de poule mouillée".

Au camp, quand il avait neuf ans, Lancaster a rencontré son ami de toujours Nick Cravat, un petit bonhomme dur avec qui Lancaster travaillera plus tard. Lancaster a fréquenté DeWitt Clinton High, une école universitaire pour garçons destinée aux étudiants qui avaient l'intention d'aller à l'université. Au cours de sa dernière année, la mère de Lancaster est décédée d'une néphrite intestinale chronique. Il a obtenu son diplôme d'études secondaires le 26 juin 1930 et est entré à l'Université de New York en septembre 1931. Il espérait devenir professeur de gymnastique et s'est impliqué dans la gymnastique. Lancaster a quitté l'université au début de sa deuxième année et a rejoint un cirque avec son ami Cravat. Ils gagnaient trois dollars par semaine comme acrobates.

Lancaster rencontre June Ernst, une acrobate, et l'épouse en 1935 alors qu'il a 21 ans et elle 18. Ils se séparent en 1937 et divorcent en 1940. La même année, lorsque Lancaster se blesse gravement à la main droite, il décide d'abandonner le cirque. Il a travaillé pour un grand magasin, une entreprise de réfrigération et à plusieurs autres emplois, dont celui de serveur chanteur, jusqu'à ce qu'il soit enrôlé dans l'armée américaine en 1942.

Lancaster became part of Special Services, whose purpose was to entertain the soldiers and provide them with off-duty activities. He began as an athletic instructor, moving on to the job of entertainment specialist, where he wrote, directed and performed in skits.

While putting on shows for the troops in Italy in 1944, Lancaster met the woman who was to become his second wife, Norma Anderson, a United Service Organization (USO) entertainer. Later, in New York, Lancaster visited Anderson, who worked for ABC radio. In the building's elevator, a man asked him if he was an actor. Lancaster responded that he was a "dumb actor," meaning he performed without words, as an acrobat. A few minutes later, the man telephoned the office where Lancaster was visiting and asked him to audition for the play, A Sound of Hunting.

Lancaster got the part. After three weeks of rehearsals, the play opened on November 6, 1945 and closed three weeks later. Lancaster then got an agent, Harold Hecht, and signed a contract with Hal Wallis Productions, Inc. on January 8, 1946 to make two films a year for seven years. He was also able to work for other companies. Lancaster took the train to California with one set of clothes and thirty dollars.

Not only was Lancaster a capable actor, but he looked very good on camera. He stood six feet two inches tall, weighed 180 pounds, and had a large chest and a small waist. He looked younger than his thirty-two years and had a gorgeous smile and bright blue eyes. While waiting to make his first film for Hal Wallis, Lancaster signed a contract with Mark Hellinger to make one picture a year for up to five years. Lancaster was paid $2,500 a week for his work in The Killers, which became a big hit and launched Lancaster's film career. He later said of that time, as quoted in a Sidney Skolsky syndicated column of 1950, "I woke up one day a star. It was terrifying."

After finishing the film, Lancaster drove back east to be with Anderson, who had given birth to their first child, James, on June 30, 1946. Lancaster and Anderson had not yet married, but would do so on December 28, 1946 in Yuma, Arizona. Their second son, Billy, was born in November of 1947.

On Lancaster's second film, Desert Fury, the actor argued angrily with the director when he disagreed about how something should be done in the film. This was a habit he never lost and stemmed from his intense involvement with his work. In his third film, I Walk Alone, Lancaster starred with Kirk Douglas, with whom he would make other films, including Gunfight at the O.K. Corral. The two had a love-hate relationship until Lancaster's death.

In September 1947, the House Un-American Activities Committee subpoenaed 34 people from Hollywood to investigate the extent of Communist infiltration in the movie industry. To protest, several people in the industry, including Lancaster, formed the Committee for the First Amendment. This represented the beginning of his involvement with liberal political causes. In March 1948, Lancaster began work on Kiss the Blood off My Hands, the first project of his new company, Hecht-Norma Productions, that he had formed with Harold Hecht.

In July 1948, Lancaster bought his first home. Located in Bel-Air, the large colonial housed the Lancasters, Burt's father, and Burt's widowed sister-in-law, Julia. Over the years Lancaster added a pool, tennis court, guesthouse, projection room, gym, kennel, and a baseball diamond. Lancaster also began collecting modern French paintings. He loved playing bridge and took the game very seriously.

In 1949, Lancaster began an affair with actress Shelley Winters. His marriage to Norma had problems because of her drinking, and Lancaster was often unfaithful. Norma gave birth to their third child, Susan, in July 1949. In 1950, when Norma again became pregnant, Winters realized that her relationship with Lancaster had no future. She burned all her photos of him and ended the affair.

In 1952, Lancaster made the film Come Back, Little Sheba with actress Shirley Booth. Twenty years later, Lancaster would call Booth the finest actress he had ever worked with. His portrayal of a middle-aged alcoholic surprised audiences and displayed his acting abilities and willingness not to be typecast. Of this shift in his career, he later said, in an article in Films and Filming, "Suddenly they began to think of me as a serious actor."

In 1953, Lancaster starred in From Here to Eternity as Sgt. Warden, a tough, serious soldier who falls in love with his commanding officer's wife. The film contains one of the most famous love scenes of all times, with Lancaster and his co-star Deborah Kerr kissing on a beach as waves wash over them. From Here to Eternity earned more money than any other film in the history of Columbia Pictures to that point. Lancaster won the New York Film Critics Circle Award for the best actor of 1953. He was nominated for, but did not win, the Academy Award for best actor of that year.

In 1954, Lancaster directed his first movie, The Kentuckian, in which he also starred. Directing had been a dream of his, but after the lukewarm reception the film received, Lancaster was terribly disappointed and directed only one other movie, The Midnight Man, in 1974.

Lancaster starred in Elmer Gantry, (1960), about a larger-than-life evangelist. Later Lancaster was to say that of all the roles he had played, Elmer Gantry was the most like himself. Gary Fishgall wrote in Against Type: The Biography of Burt Lancaster, "If one had to chose a single picture from the prime of Lancaster's career to define the essence of his stardom, Elmer Gantry would be that film." For his work in the film Lancaster won the New York Film Critics Award for best actor of 1960, the Golden Globe for best motion picture actor in a drama, for 1960, and the Academy Award for best actor of 1960.

In late 1960, Lancaster began filming Birdman of Alcatraz, in which he plays a prisoner who raises birds. Lancaster became very emotionally involved with his role. "One of the problems an actor faces, and it's a very dangerous thing, is to get so involved in a role he loses control of what he is doing. With Birdman of Alcatraz, I couldn't stop crying throughout the film," Lancaster explained in Take 22: Moviemakers on Moviemaking. He was nominated for an Academy Award for his portrayal of Robert Stroud.

Lancaster began filming Judgment at Nuremberg in early 1961. The movie detailed the 1948 war crimes trial of four Nazi judges. Lancaster played Ernst Janning, but was not popular in the role.

In September 1961, Lancaster's father died. James Lancaster had lived with his son since 1947. The two had been very close. In November of that year, the Lancaster's home burned to the ground in a fire that destroyed 456 homes in Bel-Air. Luckily Lancaster's art collection survived since it had been lent to the Los Angeles County Art Museum only the week before. The family rebuilt their home on the same site.

In 1964, Lancaster began filming The Hallelujah Trail in New Mexico. On the set he met a hairdresser named Jackie Bone, who would be his girlfriend for the next 20 years. Although Lancaster was still married to Norma, he fell very much in love with Bone. He and Norma finally separated in 1967, but did not divorce until 1969. The end of his marriage was hard on Lancaster, who considered himself a family man, but he could not deal with his wife's alcoholism. Lancaster's relationship with Bone was stormy. Once they argued in a restaurant and Bone broke a pitcher over his head.

As the 1970s began, Lancaster had not had a successful movie for three years. His good looks were fading, and he drank to excess. He became depressed. Although he made 14 films in the 1970s, they were not very popular. In 1973, Lancaster and Bone moved to Rome. He learned to speak some Italian, cook spaghetti and even grew his own herbs for cooking. Their relationship remained stormy, and he cheated on her, as he had with Norma. The couple moved back to the U.S. in 1976.

In late 1979, Lancaster began work on Atlantic City, a film about two elderly gangsters. It was the first film in which he played a senior citizen. For his work in the film, Lancaster earned several awards including the BAFTA Film Award for best actor, 1980 the Los Angeles Film Critics Association award for best actor, 1980 and the New York Film Critics Circle Award for best actor, 1980.

At a party in 1985, Lancaster met Susie Scherer, a legal secretary who began to work for him. They fell in love and married in September 1990. In 1988, Lancaster made the very popular film Field of Dreams, his last film for the big screen. Lancaster's last work was a television mini-series called "Separate But Equal."

In November 1990, Lancaster suffered a major stroke which left him with paralysis on his right side and difficulty speaking. Lancaster died in Century City, California on October 20, 1994, only two weeks away from his 81st birthday.

Fishgall, Gary, Against Type: The Biography of Burt Lancaster, Scribner, 1995.


The Coded Queer Lives of a Hollywood Classic

“The Cat’s in the Bag, the Bag’s in the River”

What were we meant to be feeling at the movies in the 1950s on hearing a line like this? What do we feel now? What is this insinuating rumor about the cat, the bag, and the river getting at? How did movies make such magic out of masked meanings?

We looked at the screen, and things there seemed so real or emphatic—the men, the women, the sky, the night, and New York. Dans Sweet Smell of Success (1957) you believed you could sniff the black-and-white stink of the city. Wasn’t that in the contract as light ate into film’s silver salts? But the things depicted were also elements in a dream—nothing else looks like black-and-white. And because we believe dreams have inner meanings, not meant to be understood so much as lived with, we guessed there might be a secret within the facts. Was it just a gorgeous, repellent mood in Sweet Smell, or was a larger odor hanging over the film?

“The cat’s in the bag, the bag’s in the river,” Sidney Falco says to J. J. Hunsecker as information or promise, even as endearment. Those two rats play a game together called bad mouth. In 1957 in Sweet Smell the line had the click of hard-boiled poetry or of a gun being cocked. It said that some secret business was in hand, cool, calm, and collected but also dirty and shaming until you dressed it up in swagger. We were sinking into rotten poetry. I felt for that cat, and wondered if its death was being signaled but I guessed the scrag of wet fur was alive still—it was a secret and secrets don’t die, they only wait. The very line said, What do you think I mean? And that’s what the best movies are always asking. Sometimes you revisit those 1950s movies and feel the cat’s accusing eyes staring at you through the bag and the rising river.

Some people treasure Sweet Smell of Success because it’s so unsentimental, so gritty. I don’t buy that. Long before its close the story becomes tedious and woefully moralistic. It shuts itself down, and then the wisecrack lines are stale garnish on day-old prawn cocktail. Admit it: after sixty years, a lot of “great” films can seem better suited to museums than packed places where people want to be surprised for the first time, maintenant. In museums, as on DVDs, the films can seem very fine, yet not much happens while you’re watching except the working of your self-conscious respect. But power in a movie should be instant and irrational it grabs at dread and desire and often involves more danger than contemplation.

Sweet Smell is that good or grabby for at least half an hour—and in 1957 that came close enough to horror or fascination to alarm audiences. Perhaps that’s why the scabrous movie had to ease back, turn routine, go dull, whatever you want to say. Would it have been too disturbing for the movie business—which includes us, the audience—if Sweet Smell of Success had gone all the way and let its cat out of the bag?

As written first by Ernest Lehmann, then rewritten by Clifford Odets, and directed by Alexander Mackendrick, Sweet Smell is set in the old newspaper world of New York City. J. J. Hunsecker is an indecently potent gossip columnist on the New York Globe. The hoardings in the city call him the Eyes of Broadway, with the image of his cold stare and armored spectacles. At the time, there was talk that Hunsecker was based on a real columnist, Walter Winchell. That’s not incorrect. But how many now know who Winchell was then? Whereas a lot of us still respond to the smothered hostility in Burt Lancaster and react to the gloating tension he has in the lm with Tony Curtis.

Lancaster played Hunsecker his own company (Hecht-Hill-Lancaster) produced the movie. So Burt was in charge, and he is filmed throughout the story as a monarch who sits still and orders the execution of others with the flicker of an eye or a hushed word. That verdict will be passed finally on Sidney Falco (Tony Curtis), a scuttling press agent who survives by getting items into Hunsecker’s column and so can be engaged to do whatever ugly deeds J.J. requires. A refined, codependent slavery exists between them: J.J. smiles and Sidney smiles, but not at the same time. It is the toxic pact between these two that makes the film disturbing for at least thirty minutes—but it might have been a greater film still if it could have seen or admitted that their mutual loathing is the only thing that keeps them from being lovers.

This was not admitted in 1957, and no one can blame a commercial movie of that era for lacking the courage or even the self-awareness that would have been so direct about a destructive homosexual relationship. If Burt had felt that subtext, his company would never have made the picture. But Burt the man and the actor cannot resist the allure of the secret. He looks at Sidney and at his own position like a charmer looking at a snake and seeing danger. Encore Sweet Smell plays out finally as one more melodrama of good people and bad people—the way Hollywood liked to tell us the world worked. The radical situation of the lm is that Sidney fears and needs J.J. while the columnist despises but needs Sidney. There’s no room for conventional affection, let alone love, but dependency is like cigarette smoke at the nightclubs where the two rats live. And it reaches poetry in the vicious zigzag talk that joins these men at the hip.

They know each other like a married couple.

The talk seems lifelike—you can believe you are hearing two cynical professionals whose venom is ink the insults feel printed. But it’s hard for movies to stop at that. In the conspiracy of close-ups and crosscutting, and in the pressure to hold audience attention, the talk becomes musical, rhythmic, a self-sufficient rapture, and even the subject of a film.

Sidney goes to the 21 Club, sure that J.J. will be there, in his element. They know each other like a married couple. J.J. is at his table, holding court—he is a little like Vito Corleone at the start of The Godfather, but not as warm or amiable. Hunsecker is receiving a U.S. senator—a weak officeholder he has known for years—a groveling talent agent, and a blonde woman the agent is touting (and providing for the senator’s pleasure). The blonde is named Linda James. She maintains she is a singer. She is played by an actress named Autumn Russell who had a dozen movie credits before fading away she is good here as a woman past youthful freshness, attractive yet desperately preserved, painfully available, and about to be humiliated.

Sidney sits down at the table, beside but a little behind Hunsecker. J.J. begins to order him away, but Sidney has a password, a way into J.J.’s need—he has something to tell him about Hunsecker’s sister. So the powerful man relents and Sidney stays. Then Miss James, trying to be pleasant, wonders out loud if Sidney is an actor.

“How did you guess it, Miss James?” asks Hunsecker, scenting revenge.

“He’s so pretty, that’s how,” she responds. And let it be said, Tony Curtis in 1957 was “pretty,” or a knockout, or gorgeous… The list of such words is not that long, and it’s nearly as problematic now as calling a woman “beautiful.” Let’s just say “pretty” fits, even if Sidney is torn between pleasure and resentment at hearing the word.

Then Hunsecker speaks—and in a few words we know it is one of the killer speeches of 1957.

Mr. Falco, let it be said, is a man of forty faces, not one, none too pretty and all deceptive. See that grin? That’s the charming street urchin’s face. It’s part of his “helpless” act—he throws himself on your mercy. He’s got a half a dozen faces for the ladies, but the real cute one to me is the quick, dependable chap—nothing he won’t do for you in a pinch, so he says! Mr. Falco, whom I did not invite to sit at this table, tonight, is a hungry press agent and fully up on all the tricks of his very slimy trade!

That speech is as cruel as it is literary. It helps us recognize how uncasual or nonrealistic movie talk can be. Of course Hunsecker is a writer, though it’s easier to believe he dictates his column instead of putting pen to paper. But the speech relishes words and their momentum. In life, it was one of the speeches that Clifford Odets hammered out on his typewriter in a trailer parked on a Manhattan street hours ahead of the shooting. Odets had been a revered playwright in the 1930s, the husband or lover to famous actresses, and here he was, at fifty, a Hollywood writer and rewriter for hire, doctoring a screenplay for immediate performance. He knew self-loathing from the inside observers said he was “crazed” by the shift in going from being the next Eugene O’Neill to just another script doctor. Yet Odets was good enough to build to this moment: as he concludes his assassination, Hunsecker picks up a cigarette, and says, quietly, “Match me, Sidney.”

This is an ultimate humiliation it is the blade slipping between the bull’s shoulder blades but it is a proposal, too, or an admission that a terrible wounding marriage exists between the two men, one that cannot be owned up to or escaped. The line is poison for Sidney to taste, and Tony Curtis has played the scene, in close-up, like a man with a sweet tooth for poison, on the edge of nausea. (Later on in the film, Hunsecker tells Sidney he’s “a cookie filled with arsenic.”)

But even a destroyed wife can sometimes get a line back. “Not just this minute, J.J.,” Falco answers, and now we know there is a level between them, beneath professional cruelty and self-abasement. It is a horrible kind of love. Hunsecker smiles at the refusal, as if to admit that the wretched Falco can stick around.

There is more talk like this, and in 1957 it was courageous or even reckless: the film was never a popular success—it had rentals a million dollars less than its costs, so Burt the businessman suffered, which meant others would feel the pain. One obvious risk in the film was giving offense to real Hunsecker-like figures and undermining the integrity of what was still called “the press.” But there’s a deeper implication in the scene and the talk: these two men need each other they might exchange insult and subjugation forever. Indeed, as an audience we don’t want them to stop talking.

Alas, Sweet Smell cannot act on that realization. A complicated plot intervenes. J.J. is obsessed with his sister, Susan. This is asserted, but never explored: does he simply need to control her, or does he have a physical desire for her that he cannot express or admit? It should be added that there is no other woman in Hunsecker’s life. He is disturbed that Susie seems to be in love with a young jazz musician, Steve—maybe the cleanest, whitest, dullest jazzman in all of cinema. These two characters, played by Susan Harrison and Martin Milner, are embarrassments who drag the lm down. This is not an attack on the actors but despair over the concept that lets the lm dwell on them. Why is J.J. obsessed? We never discover an answer. I don’t necessarily want to see his incestuous yearnings I accept his need for power and fear in others. But I want chemistry between J.J. and Susan if the threat of losing her is to be dramatic.

As it is, Sweet Smell degenerates into a tortured intrigue in which Sidney contrives to frame Steve on drug charges, just to make Susan turn against her guy. This leads to an ending in which two bad men get their just desserts. But that is banal and lacks feeling for “the young lovers,” who trudge off together into a new day. We do learn more about Sidney’s conniving nature, and the film becomes a showcase for Curtis. (That he was not nominated for his work speaks to how far Sidney unsettled Hollywood.) But we do not get enough of the two caged men clawing at each other with spiteful words. I don’t think anyone could contemplate a remake of the film today without seeing that there has to be a gay relationship between columnist and press agent, a reliance that excludes the rest of life.

As the film ends, Susie has found the strength to leave her brother. “I’d rather be dead than living with you,” she says. The odious cop, Kello, has beaten up Sidney on the street and carried his limp body away. Is he dead? Or would it be possible for J.J. to come down to the street to reclaim the broken body, carry it upstairs, and put it in the room left free by Susie’s departure? That is not an enviable future for a very odd couple. Maybe Sidney lives in a wheelchair, crippled and needing to be looked after. Just so long as he can exchange barbed lines with J.J.

This is less film criticism—as in a review of a new film—than a reflection on the history of the medium and the way a dream evolves if it is potent enough. I can find no evidence that anyone on the picture intended the undertone I am describing, or was aware of it. I am confident that director Mackendrick and writer Odets were not homosexual, though I’m less sure that they didn’t understand the possibility of that relationship and see an underground life in the casting. Tony Curtis (born Bernard Schwartz in 1925) really was a very good-looking kid, though as a Bronx boy and then a young man in the Pacific war (in submarines), he was only ordinarily good-looking. It was in the late 1940s, as he thought of a show business career, that he started working hard on his looks and his body, and when he felt people in the neighborhood were thinking he might be gay.

In those late 1940s—and still today—there is a widespread feeling that a lot of people in show business are gay. That notion exists above and beyond the fact that there are more homosexuals in show business than in most other professions. Curtis was a fascinating case, with a well-earned reputation as a ladies’ man, with six marriages and six children.

I n watching pretense we acquire a deeper sense of our reality but a growing uncertainty over our psychic integrity. What else are movies for?

Curtis was also funny, candid, and quite bold. He could sit there on screen as Sidney while other characters considered how “pretty” he was. Many lead actors of that era would not have stood for that—I’m sure Lancaster would not have sat there, absorbing it (which doesn’t mean he was deaf to the undertones as he administered the lashing). Curtis grew up in the movie business with a corps of very good-looking guys, many of whom were clients of the agent Henry Willson, who cultivated gay actors who did not come out of the closet on screen—one of them was Rock Hudson, a contemporary of Curtis’s at Universal.

Maybe most important of all, Curtis had the courage to play Josephine in Billy Wilder’s radical film, Some Like It Hot. How much courage? Well, it’s fair to say that Jack Lemmon played Daphne in the spirit of farce and slapstick. It’s not likely, watching Some Like It Hot, in 1959 or now, to believe that Daphne is a girl. But Curtis went for it. Joséphine est an attractive woman. Curtis is candid in his book, American Prince, about the shyness he felt in wearing female clothes and then being on show in front of the crew. “After all these years of putting up with guys coming on to me and hearing rumors about my own sexuality, dressing like a woman felt like a real challenge to my manhood.” So he told Wilder that Josephine needed better clothes.

Not that it matters now, but I don’t believe Tony Curtis was gay, ever. Of course, that would have nothing to do with his ability as an actor to imagine or pretend to gay experience. And if Curtis was that good then he was admitting millions of people in his audience into the same experiment. One principle in this book—and it has been of enormous influence in our lives as a whole—is that in watching pretense we acquire a deeper sense of our reality but a growing uncertainty over our psychic integrity. What else are movies for? We thought we were identifying with characters for fun, but perhaps we were picking up the shiftiness of acting—for life.

The case of Burt Lancaster is more complex. He was married three times, and he had five children. But we are past believing that such credentials settle all interests. The best biography on Lancaster, deeply researched and written with care and respect by Kate Buford, does not believe he had an active gay life. That book was published in 2000. On the way to a celebration of its publication at Lincoln Center, I had dinner with an old friend, George Trescher, a man who did nothing to conceal his own homosexuality, and he assured me that in fact Lancaster had led a gay life. Later still, some documents were released from the F.B.I. and the Lancaster family that did not name names but that revealed that Lancaster had often been “depressed,” that he was bisexual, and that he had had several gay relationships, though never on more than a short-term basis.

With that in mind, you might look at Lancaster’s strangest film, The Swimmer (1968), directed by Frank Perry and taken from a John Cheever story. It’s a fable about an apparent Connecticut success, Ned Merrill, who takes it into his head to swim home one summer Sunday by way of all the pools owned by his acquaintances. Cheever, who had a tormented gay life, watched the filming with awe and amusement, as Burt, at fifty-five, in simple trunks, made Ned’s way from sunlight to dusk and dismay. Why did they make that movie? you’ll wonder. Because Burt wanted to do it.

For much of his career, Lancaster was called a he-man or a hunk. Trained in the circus and proficient as an acrobat, he loved athletic and adventurous roles in movies for which he frequently did his own stunts. As a boy, I thrilled to him as Dardo in The Flame and the Arrow (1950), about a twelfth-century Robin Hood figure from Lombardy. His sidekick in that picture was played by Nick Cravat, a circus partner who kept company with Burt for decades. They made nine films together, including The Crimson Pirate (1952), with Burt as an archetypal grinning rogue, beautiful and physically commanding, in what went from being a straight pirate adventure to a camp romp in which Lancaster is blond, bright, and comically cheerful—in other words, the hero is a parody of himself.

There was another Lancaster, darker and more forbidding: you can see that actor in The Killers, Brute Force, et Criss Cross, and he emerged fully as Sergeant Warden in From Here to Eternity. That Lancaster became a good actor, but for decades he was determined to stay athletic and heroic: as late as The Train (1964), when he was fifty, he was doing his own stunts. But his work in Sweet Smell is the more interesting for being so repressed. Was he at ease like that? Orson Welles had been the original casting as J.J., but Welles was in a run of ops so Lancaster the producer elected to play the monster himself. He made the role in a way that would have been beyond Welles. It’s in Hunsecker’s stealth and stillness that we feel his evil—or call it a darker inner life than Burt was accustomed to showing. Only a couple of years before Sweet Smell, he had played with Curtis in Trapeze, a conventional circus film that took advantage of his own physical skills.

Tony Curtis reported in his book that Lancaster was often very tense during the filming: he was at odds with Mackendrick, so that they sometimes came close to physical conflict. In one scene, Mackendrick wanted Burt to shift over on a bench seat to let Curtis sit at the table. Burt insisted that Hunsecker would not have moved for anyone—it was a good insight—and he nearly fought the director. Mackendrick was taking too long the picture’s costs were mounting. But the physical actor in Lancaster was both determined on and pressured by the role’s tensions.

The film’s composer, Elmer Bernstein, said, “Burt was really scary. He was a dangerous guy. He had a short fuse. He was very physical. You thought you might get punched out.” Yet Lancaster was supposedly in charge, as both character and producer. Was he afraid of his own film commercially? Did he bridle at his required stillness? Was he in control of Hunsecker’s blank rage? Did he guess that Tony Curtis had the more vivid role? Or was he oppressed by the implications of the film’s central relationship? Did he feel the movie was a plot against him? These questions are not just gossip they enrich one’s experience of J.J.’s paranoia. Lancaster’s authority and Hunsecker’s power are twinned and destructive.

If we see a gay subtext in Sweet Smell, then the hobbled nature of its women characters becomes clearer. It is not just that pliant singer on a senator’s arm. Susan is an emotional wreck, attractive in outline but drained of romantic confidence or stability. At one point Sidney tells her to start thinking with her head not her hips. Hunsecker has a secretary who has no illusions about him. Sidney has a girl who is his humbled slave. There is a well-drawn betrayed wife (nicely played by an uncredited Lurene Tuttle). And then there is the Barbara Nichols character, Rita, an illusionless hooker so degraded she will do whatever Sidney requires of her. There isn’t a woman in the lm with appeal or self-respect. This bleak elimination of heterosexual potential is part of the dankness in Sweet Smell and one more contrast with the exhilarated sparring between the male leads. Hatred or antagonism is their idiom, and we can’t stop hanging on the tortured double act.

De Sleeping with Strangers: How the Movies Shaped Desire. Used with permission of Knopf. Copyright © 2019 by David Thomson.


Prolific Character Actor Ed Lauter Dies at 74

Ed Lauter, the always working character actor who played the butler/chauffeur of Berenice Bejo&rsquos character Peppy in the best-picture Oscar winner L'artiste, died Wednesday. He was 74.

Lauter discovered in May that he had contracted mesothelioma, a terminal form of cancer most commonly caused by exposure to asbestos, publicist Edward Lozzi Raconté Le journaliste hollywoodien.

Lauter recently played a baseball scout opposite Clint Eastwood dans Trouble With the Curve (2012) and had recurring roles on Showtime drama Shameless as Dick Healey and on USA Network&rsquos Pysch as Deputy Commissioner Ed Dykstra. Earlier, he recurred on urgence, playing Fire Captain Dannaker.

A native of Long Beach, N.Y., Lauter made his TV debut on a 1971 episode of Mannix and arrived on the big screen for the first time in the Western Dirty Little Billy (1972). One of those character actors whose name is unknown but is instantly recognizable, he is listed with an incredible 204 credits as an actor on IMDb.

Dans Alfred Hitchcock&rsquos final film, Family Plot (1976), the balding, angular Lauter played Maloney, the dangerous, blue-collar man who knows too much about dapper jewel thief and kidnapper Arthur Adamson (William Devane). Hitchcock cast Lauter after seeing him play Captain Wilhelm Knauer, the sadistic leader of the guards who go up against Burt Reynolds&rsquo convict football team, in the classic The Longest Yard (1974).

&ldquoHitchcock came out of his screening room, walked back into the office and said, &lsquoHe&rsquos very good, isn&rsquot he?&rsquo&rdquo Lauter recalled in a 2003 interview. &ldquo[His assistant Peggy Robertson], thinking that he meant Burt Reynolds, said, &lsquoYes, he is.&rsquo &rdquo

&ldquoHitchcock said, &lsquoWhat&rsquos his name again?&rsquo Now, Peggy&rsquos lost he doesn&rsquot know who Burt Reynolds is? Then, Hitchcock said, &lsquoEd something &hellip&rsquo and when Peggy told him, &lsquoEd Lauter,&rsquo he said, &lsquoYes, we&rsquove got our Maloney.&rsquo He had actually told Peggy that he wasn&rsquot going to do the film unless he first cast Maloney, the antagonist.&rdquo

His film résumé also includes The New Centurions (1972), The Last American Hero (1973), French Connection II (1975), King Kong (1976), la magie (1978), Cujo (1983), Lassiter (1984), Death Wish 3 (1985), The Rocketeer (1991), Trial by Jury (1994), Leaving Las Vegas (1995), Mulholland Falls (1995), Biscuit de mer (2003), the 2005 remake of The Longest Yard, Seraphim Falls (2006) and The Number 23 (2007).

It only seems as if he was in every TV crime drama in history, with parts in Cannon, Ironside, The Streets of San Francisco, Kojak, Baretta, Police Story, Les fichiers Rockford, Charlie&rsquos Angels, Hawaii Five-0, Simon & Simon, Magnum, P.I., The A-Team, Miami Vice, Walker, Texas Ranger, Homicide: Life on the Street, NYPD Blue, Cold Case et CSI.

Lauter, who went to college on a basketball scholarship at C.W. Post on Long Island and worked as a stand-up comic, made his Broadway debut in the original 1968 stage production of The Great White Hope starring James Earl Jones et Jane Alexander.

He has three movies in the can yet to be released: The Town That Dreaded Sundown, Becker&rsquos Farm et The Grave.

&ldquoHe was a pal, not just a PR client,&rdquo recalled Lozzi. &ldquoHis former stand-up comedy days would always entertain us behind the scenes with his most incredible impersonations. He called me as Clint Eastwood from the set of Trouble With the Curve l'année dernière. We really thought it was Eastwood!&rdquo

Lauter also was known to do excellent impersonations of Burt Lancaster, George C. Scott, James Cagney et Humphrey bogart.

The Ed Lauter Foundation and a scholarship fund is being established to honor his work, and the scholarship will be awarded annually to aspiring young actors. His family, which includes his wife of eight years, Mia, asks that donations be made to the foundation.

In the 2003 interview, Lauter recalled: &ldquoSomeone once said to me, &lsquoEddie, you&rsquore a &ldquoturn&rdquo actor.&rsquo What&rsquos that? He said, &lsquoThat&rsquos when a story is going along and your character shows up and the story suddenly takes a major turn.&rsquo That&rsquos kind of neat.&rdquo


Voir la vidéo: Mister 880 1950 Burt Lancaster u0026 Dorothy McGuire


Commentaires:

  1. Tohias

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